Archive for the ‘ VADE RETRO ’ Category

THE JESUS AND MARY CHAIN: Simplemente geniales

THE JESUS AND MARY CHAINSe trata de una banda escocesa de rock alternativo, marcada durante el oscuro periodo post-punk y basada en las composiciones de los hermanos Jim y William Reid. Procedentes de East Kilbride, en el sur del país, publicaron una constante cadena de álbumes, sencillos y EP desde su formación en 1984 hasta 1999. Luego de un paréntesis, vuelven a la carga en el 2007. En la actualidad siguen dando conciertos por toda Europa, con notable éxito de público. Su música se suele incluir en el estilo denominado Shoegaze. The Jesus and Mary Chain originalmente revolucionó sobre la paridad en la escritura de canciones por los dos miembros principales. Para completar la visión de la banda, los hermanos Reid reclutaron al bajista Douglas Hart y al baterista Murray Dalglish. La banda grabó su sencillo de debut “Upside down” en 1984, el cuál fue publicado por Creation Records en octubre del mismo año. Dalglish fue reemplazado poco después por Bobby Gillespie (quién seguiría como cabeza de Primal Scream); y William Reid afirmaría posteriormente que en la grabación del primer single había tocado la batería él mismo debido a la “problemas de habilidad” que tenía Dalglish. Aunque el sencillo recibió un aclamo universal por parte de la crítica británica, y la banda fue lanzada por el New Musical Express, fueron sus primeros shows los que hicieron que la gente les prestase atención. Los primeros conciertos de The Jesus and Mary Chain se han convertido en legendarios en los círculos independientes. Tocando ante audiencias compactas, el grupo se ganó su notoriedad tocando conciertos muy cortos, algunos no duraban más de 10 minutos y que consistían en una muralla constante de distorsión y ecos, también tocaban de espaldas al público y se negaban a hablarles. Muchos conciertos culminaban con los Reid destrozando su equipo, que normalmente seguía con el alboroto del público. Todo esto deslumbró al gerente y jefe de Creation Records Alan McGee, quién encontró muy fácil conseguir a la banda. Simplemente se aseguraría de que la prensa musical estuviera mientras estos hechos ocurrían, lo cuál aseguraba cobertura gratuita en las publicaciones musicales. La violencia que seguía a cada acción culminaba por la banda en un concierto es ahora una parte de la historia indie. El 15 de marzo de 1985, The Jesus and Mary Chain tocaron un concierto en la Politécnica del norte de Londres en frente a una de sus mayores asistencias hasta la fecha. La banda telonera, Meat Whiplash, había calentado la violencia antes que la banda pusiera un pie en el escenario tirando a la audiencia una botella que les habían lanzado previamente. En ese momento el grupo comenzó su corto set, la gente que estaba ya preparada para la violencia, y a causa de su tamaño (el lugar había vendido entradas de más), los disturbios fueron mucho mayores y más salvajes que cualquier otro concierto previo de la banda. Los fans destrozaron el lugar y el equipo de la banda, habiendo cuatro heridos en el hospital. Una estimación de los daños fue de 8000 libras esterlinas. La prensa musical estaba presente y por tanto el evento se denominó el “Disturbio The Jesus and Mary Chain”. En 1985 la banda firmó un contrato con el sello Blanco y Negro donde publicaron los sencillos “Never Understand” y “You Trip Me Up” seguido casi inmediatamente de su álbum debut Psychocandy . El álbum fusiona las dos influencias principales de los hermanos Reid, las guitarras de los Stooges y la Velvet Underground, y el Pop de los Beach Boys y Phil Spector por otra. Durante la grabación el grupo usó drogas como las anfetaminas y el LSD, lo que influyó en el sonido. El álbum recibió casi unánimemente críticas positivas, y se considera actualmente un hito del Noise pop y precursor del Shoegazing. El grupo no pudo mantenerse al margen de los problemas, fueron expulsados de las oficinas de Blanco y Negro luego de una pelea y en Alemania los hermanos Reid fueron arrestados por posesión de anfetaminas. Estos hechos dieron lugar a que la prensa británica los comparase a menudo con los Sex Pistols. Al igual que ocurriera con el Anarchy Tour de los Sex Pistols, durante la gira de 1985 también se cancelaron conciertos de Jesus and Mary Chain en algunas ciudades inglesas como Plymouth, Birmingham y Sheffield , mientras que en Glasgow el concierto fue interrumpido debido a las blasfemias pronunciadas en el escenario. Tras Psychocandy el grupo grabó y publicó el single “Some Candy Talking” cuya letra se interpretó erróneamente como una invitación al consumo de heroína y fue prohibida por las emisoras de radio británicas. Sin embargo Jim Reid lo desmintió en una entrevista en el 2005: “Some Candy Talking no tiene nada que ver con las drogas, la verdad. Era sólo una declaración hecha por un DJ de radio, lo que ha sido prohibido por las principales estaciones de radio en el Reino Unido.” Al poco tiempo, Bobby Gillespie dejó la banda para concentrarse en Primal Scream . El segundo álbum del grupo, Darklands, fue publicado en septiembre de 1987. Con este disco el grupo reduce el uso del feedback, centrándose más en las canciones en sí. El álbum fue grabado en la práctica por los hermanos Reid, el batería fue reemplazado por una caja de ritmos. Incluso este álbum recibió críticas positivas de la mayoría de revistas de musicales inglesas. La gira de 1987 se llevó a cabo sin batería, con pistas de batería pregrabadas. Las actuaciones no tuvieron mucho éxito, lo que hizo tomar a los dos la decisión de volver a la formación tradicional. Durante los siguientes años se suceden los cambios de bajista y batería en la banda. La mala reputación del grupo en sus conciertos reapareció de nuevo en Toronto en noviembre de 1987 , donde Jim Reid golpeó a dos espectadores con el eje del micrófono. Reid fue arrestado y pasó una noche en la cárcel. Más tarde fue absuelto, tras haber accedido a donar £ 500 a la caridad. El tercer álbum, Automatic se publicó en septiembre de 1989, con una presencia masiva de sintetizadores y teclados, no recibió las críticas favorables de los dos anteriores trabajos. En 1990 la banda lanza el EP Rollercoaster. En 1992 la banda lanzó el single Reverence con el que regresa a su sonido original. La canción fue prohibida en la radio estadounidense por considerar la letra potencialmente ofensiva (I wanna die just like JFK, I wanna die in the USA… I wanna die just like Jesus Christ, I wanna die on a bed of spikes, “Quiero morir como JFK, quiero morir en los EE.UU. … Quiero morir como Jesucristo, quiero morir en una cama de espinas”). El single fue seguido por el álbum Dead Honey (1992), con un sonido más bailable. Luego de la gira en apoyo del álbum el grupo vuelve al estudio para grabar su quinto álbum, el acústico Stoned & Dethroned , publicado en 1994, pero que resulto decepcionante.Tras la publicación del recopilatorio Hate Rock n’Roll en 1995, el grupo deja Blanco y Negro para firmar con la discográfica independiente americana Sub Pop. Con este sello publican su siguiente álbum Munki en 1998, un álbum en el que ya se nota cierta división entre los hermanos Reid, algo premonitorio de lo que ocurriría el año siguiente. A pesar de la separación oficial se produjo en octubre de 1999 , el año anterior había señales de que las relaciones dentro del grupo no eran buenas. El 12 de septiembre de 1998 William tuvo una discusión en el autobús de la gira con el guitarrista Ben Lurie antes de la actuación en Los Ángeles House of Blues. Jim Reid apareció aparentemente ebrio e incapaz de pararse o cantar. William abandonó el escenario luego de 15 minutos y la actuación culminó. El grupo terminó las fechas de la gira en los EE.UU. y en Japón sin William, y desde este punto, estaba claro que el grupo ya no existía. Inmediatamente después de la separación, William Reid comenzó su carrera en solitario bajo el nombre de Lazycame, mientras que Jim Reid fundó Freeheat , aunque ninguno de ellos tuvo un gran éxito. En el 2003 la banda tuvo un nuevo momento de la fama debido a que su canción “Just Like Honey” fue incluido en la banda sonora de la película Lost in Translation de Sofia Coppola . El 11 de julio de 2006 cinco discos fueron reeditados por Rhino Records : Psychocandy , Darklands , Automatic , Honey’s Dead y Stoned & Dethroned . Cada álbum fue lanzado con un DVD que contiene tres clips de vídeo de canciones contenidas en el álbum en sí. En el 2007 el grupo volvió a reunirse, y se presentaron en una serie de festivales realizados en Europa dando a conocer que habían vuelto. En declaraciones a la revista Uncut, Jim Reid, anunció que el grupo estaba trabajando en las temas para un nuevo álbum, el cual lleva por titulo Damage and Joy y fue lanzado el 24 de marzo del 2017. Actualmente están de gira y se presentaran en Rusia (17 de mayo), Polonia (18 de mayo), Alemania (21 de mayo), Reino Unido (22 de mayo y 22 de junio), Italia (23 de mayo), Francia (1, 26 y 27 de junio ), Holanda (23 de junio). Por lo visto, tienen mucho que recorrer… y ofrecer.

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‘HOP’ REBELDE SIN PASCUA (2011): ¿Donde quedo la imaginación?

‘HOP_ REBELDE SIN PASCUASi bien es cierto que existen tradiciones que cumplimos cada año, estamos hartos de ver películas en las que se pone en peligro la capacidad de Santa Claus para repartir regalos, lo cual ‘arruinaría’ la Navidad. ‘Hop’ Rebelde Sin Pascua (2011) nos cuenta la misma trillada historia, pero en esta ocasión es el conejito de Pascua quien no quiere llevar a cabo su reparto de huevos de chocolate, por lo que la Semana Santa es la que está en peligro. E. B. es un conejo adolescente que debe heredar la profesión de su padre, Easter Bunny, pero que, en lugar de ello, desea convertirse en batería de rock y viajar por el mundo. Decide probar suerte en Hollywood, donde Fred, un vago al que sus padres acaban de echar de casa para que encuentre trabajo y piso, lo atropella. E. B. – Hop en el doblaje y en los subtítulos – finge que está herido, por lo que Freddy se siente obligado a llevarlo a la mansión que tiene que vigilar durante la ausencia de los dueños. Tim Hill, director de ‘Alvin y las ardillas’, y los productores de ‘Gru, mi villano favorito’ se unen para llevar a cabo un producto que cuenta con un 3D de movimientos fluidos y creíbles, con un diseño simpático de personajes animales y con una perfecta integración entre la animación y la imagen real. Se ha desdeñado la opción de otras películas infantiles de ofrecer una segunda lectura que atraiga a los adultos y el público objetivo son los crios de muy corta edad, ni siquiera los jóvenes o los adolescentes. Pero me da la impresión de que incluso a los más infantes, como mucho, lograrán contentarlos, no entusiasmarlos o divertirlos. Como sabéis, la búsqueda de huevos de colores durante la Pascua es mucho menos universal y no tan extendida como la costumbre de entregar regalos en Navidad y Día de Reyes, por lo que el riesgo de que el conejito nos haga la pascua dejando de hacerla, constituye un endeble conflicto. Eso no tendría por qué ser un problema ya que, bien planteado, hasta el incordio más lejano se entendería como motor de una narración en cualquier parte del mundo. Pero es que ‘Hop’ apenas presenta argumento en el que basar los movimientos ni peripecias con las que rellenar los minutos y, a partir de un flojo punto de partida, el desarrollo argumental es casi inexistente. La resolución que toma el protagonista humano de encargarse de la misión, que podría constituir el primer punto de giro, se da casi al final y, hasta llegar ahí, solo se incluyen escenas de relleno sin humor ni capacidad para entretener. Para rematar, el personaje de Hop no es tan gamberro o malicioso como para sostener por sí mismo el interés de secuencias sin progresión, como sí ha ocurrido con otras cintas de animación. Actores como Hugh Laurie y Hank Azaria ponen las voces a la versión original, pero ni sus inclusiones elevan la calidad del resultado. Los únicos guiños orientados a un público que haya pasado la pubertad son la intervención de David Hasselhoff – no porque su papel sea profundo, sino porque hay que tener una edad para conocerlo -y el minicameo físico de Russell Brand, que es quien pone voz al conejo. Kaley Cuoco apenas cuenta con líneas de texto o apariciones y, para más inri, encarna a la hermana del protagonista y no a su posible interés romántico. Y es que ‘Hop’, por no tener, no tiene ni trama amorosa. Por su parte, James Marsden, quien, a sus treinta y muchos, hace un papel de veintipocos años, se pasa el metraje exagerando gestos y poniendo caras como si él mismo también fuese un personaje de animación. Es muy probable que el actor asumiese que aquí había llegado a su fin su carrera cinematográfica, y por eso ahora acepta insulsos papeles en mediocres producciones que no vale la pena detallar. En conclusión, ‘Hop’ presenta nulo interés, aún menor que el que su sinopsis, tráiler o imágenes previas nos harían augurar. Con la misma orientación infantil, se podría haber sacado partido a ciertas posibilidades desaprovechadas, como la confusión entre Hop y un muñeco, que no es nada novedosa, pero siempre da juego, o el despliegue de imaginación que podría surgir en la fantástica factoría de caramelos que emula al emporio de Willy Wonka, retratado por Tim Burton en ‘Charlie y la fábrica de chocolate’. Todo es excesivo para que el conjunto se quede corto: escenas en las que se abusa de la música para amenizar, intérpretes contratados para sobreactuar y un desperdicio de esfuerzos de postproducción sirven para dejar en muy buen lugar a todos sus referentes o competidores. Como para verla y olvidarse rápidamente de ella, lamentando haber gastado minutos de tu vida viéndola. Esta bien que este dirigida a los peques, pero no abusen.

EL JUEGO DE LA RULETA: La casa siempre gana

RULETALa obsesión por el dinero fácil ha posibilitado el desarrollo de juegos de azar con la esperanza de ganar mucho dinero con muy poco esfuerzo, llegando el caso de que quienes lo practican, llegan a enviciarse de tal modo y se las pasan horas en los casinos con la vana esperanza de que la diosa fortuna se acordará de ellos, pero que al final lo pierden prácticamente todo, ya que como era de esperar, ‘la casa siempre gana’. Precisamente, uno de los más conocidos juegos de casino es la ruleta, con la cual solía ‘entretenerse’ la élite de la sociedad, pero que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los juegos más jugados y conocidos del mundo. Existen diferentes teorías en cuanto al origen de la ruleta, pero la mayoría de ellas están de acuerdo en que el juego tal y como se conoce hoy en día fue inventado en Francia en el siglo XVIII. En efecto, podemos asegurar que la primera ruleta moderna fue inventada por el francés matemático, físico, y filósofo Blaise Pascal, quien tuvo como objetivo la creación de una máquina de movimiento perpetuo. Aunque la intención de Pascal no era la de crear un juego de apuestas, su invento contribuyó significativamente a la ruleta moderna a la que juega hoy en día. Décadas después la ruleta fue adoptada como juego de casino. La primera mención a la ruleta fue en 1796, cuando el novelista francés Jaques Lablee la describió en su libro “La Roulette, ou le Jour” que estaba inspirado en un juego que vio en el Palacio Real francés. En ese momento, la ruleta contenía una casilla de doble cero. El cero fue introducido en la ruleta en 1843 por un francés llamado François y Louis Blanc para ofrecer servicios más atractivos y mejores a las personas que visitaban el casino del pueblo de Homburg. En este momento, la ruleta era ya bastante conocida y famosa en Europa, por lo que no tardó mucho en ser conocida en el continente americano. Primero, fue llevada al Nuevo Mundo por inmigrantes franceses y llegó a ser popular en la zona de Nueva Orleans, pero después su fama fue extendida por todo los EE.UU. No obstante, la verdadera revolución de este juego fue durante la segunda mitad del siglo XX, cuando fue asequible para la mayoría de la sociedad. A comienzos de siglo, solo dos ciudades en el mundo tenían casinos con ruletas, concretamente Las Vegas y Montecarlo, pero unas décadas mas tarde, este número creció hasta varios cientos – por no decir miles – de ellos. La popularidad de la ruleta experimentó un aumento sin precedentes en la era de Internet, cuando los casinos online empezaron a aparecer. La ruleta se convirtió en uno de los juegos online más respetados, debido a sus imágenes elegantes, pero también por los reducidos precios que se cobraban por jugar a la ruleta online. A diferencia de los casinos que podamos encontrar en nuestra ciudad, que se centraban o en el cero o en la variante de doble cero, las ruletas online acogen ambas variantes permitiendo a los jugadores la oportunidad de elegir el tipo de jugabilidad. La ruleta online cuenta además con una ‘ventaja’ sobre las ruletas reales, en concreto, los bonos de ruleta ofrecidos por los casinos online. Si se decide a registrarse en una página web de ruleta se dará cuenta que casi todas ‘ofrecen’ dinero gratis tras un primer depósito, un cebo para iniciarte en el vicio. Durante los últimos años, una nueva tendencia ha comenzado a extenderse por los casinos online. Se trata de los juegos de ruleta en vivo que permiten ver un juego real de ruleta, administrados por un repartidor de cartas. Estos programas tan sofisticados permiten dar instrucciones a los miembros del casino en tiempo real y ver la acción a vía webcam. Estos y otros aspectos han convertido a la ruleta online en uno de los juegos más populares, superando a los casinos reales. No hay ningún casino online que no ofrezca juegos de ruleta, y los servicios que ‘ofrecen’ día tras día tienen un mismo y único fin: tu dinero, hasta el último centavo. Cuidado con esta clase de juegos y no dejaos engañar.

LAMBORGHINI COUNTACH: Clásico y deportivo

lamborghini-countachSe trata de un icono de los años 70, que nació en el Salón del Automóvil de Ginebra de 1971, pero la fantasía de Bertone no se hizo realidad hasta 1974. El Lamborghini Countach siguió el camino del bello Miura con su motor central a la vez que intentando evitar cualquier defecto utilizando todo un grupo de nuevas soluciones. El V12 de 4 l ya no estaría en posición transversal sino justo detrás del conductor y delante de las ruedas traseras de ahí la denominación LP400: 4l Longitudinale Posteriore. La leyenda dice que su nombre viene de la impresión que produjo a un ingeniero de Sant´Agata Bolognese cuando lo vio por primera vez y de su expresión de admiración ¡Countach! que generalmente decía a las chicas guapas. Paolo Stanzani, que había trabajado con Dallara y contrató a Massimo Parenti para ayudarle. Los primeros modelos tenían un chasis semimonocasco que pronto se sustituiría por la construcción compleja de un armazón espacioso y tubular cubierto por planchas de aluminio. La mayoría de los elementos de su tren motor eran los mismos que el Miura. Ni qué decir tiene que la maniobrabilidad y la conducción del Countach eran de otro mundo; no sólo fue el coche de serie más rápido del mundo sobre el papel sino también, gracias a la configuración central de su motor y a su fantástico agarre, uno de los coches más explosivos y emocionantes y quizás se puede tener la suerte de ver. El diseñador de Bertone Marcello Gandini basó mucho de la explosividad del Countach en los coches de carreras de los años 60 y en vez de diseñarlo bonito como el Miura buscó acentuar su fiereza. Tenía un frontal corto y achaparrado con faros retractiles escondidos, un parabrisas muy inclinado y rectangular y puertas que se abrían subiendo con las bisagras delante. Con el tiempo se le incorporó un alerón trasero de función más que nada decorativa ya que al ser tan bajo lo había peligro de que se levantara, de hecho sólo añadió peso y aerodinámica. La forma de sus ventanas laterales no aceptaban ningún mecanismo de apertura, así que se dividieron en horizontal pudiéndose sólo abrir la parte superior. Algunos comentaristas de la época dijeron que en caso de accidente los ocupantes las rompieran de una patada para poder salir. El habitáculo de los primeros modelos reflejaba el futurismo de su exterior, pues su volante sólo tenía un brazo y había muchos testigos de alarma delante del conductor. Cuanto más se fabricaba más convencional era su interior, pues dispondría de mucho plástico negro y un gran túnel central. La evolución del Countach empezó con una forma pura de cuña y con el tiempo se vería alterada con retrovisores, alerones, tomas de aire adicionales y extensiones de los pasos de rueda. La ley Federal de Estados Unidos impuso la instalación de parachoques de baja velocidad de modelos avanzados. Hasta 1978 12 fabricaron 23 unidades y entonces llegó el LP400S con un chasis mejorado, una suspensión óptima y los neumáticos más anchos de perfil bajo Pirelli P7 que le daban un mayor agarre que los anteriores Michelin; en consecuencia y a efectos estéticos se tuvo que ensanchar los pasos de rueda. Era una versión más ligera como mayor aerodinámica y menor potencia. Cuando los hermanos Mimran obtuvieron el control de la marca se montó un motor más grande de 4.754 cc V12 el LP500Sque entregaba una potencia de 375 Cv. Años más tarde esta cilindrada aún aumentaría a 5.167 cc. con un cilindro de cuatro válvulas en cabeza para el Countach Quattrovalve que entregaba 455 Cv. y alcanzaba una velocidad máxima de 295 Km/h. En 1990 apareció la versión Aniversario que celebraba los de 25 años de su concepción y dejó de fabricarse ese mismo año.

SCREAM: La máscara de la muerte

ScreamUna obra maestra de Wes Craven que fue estrenada en los EE.UU. el 20 de diciembre de 1996. Producida por Dimension Films, fue protagonizada por Neve Campbell, Courtney Cox y David Arquette. La historia nos sitúa en la ciudad ficticia de Woodsboro, en California, donde un asesino enmascarado provocará el pánico de sus habitantes. Sidney Prescott, interpretada por Neve Campbell,será nuestra protagonista y principal objetivo del asesino, además de sus diferentes compañeros y amigos. No podemos hablar de grandes interpretaciones, aunque sí podemos halagar la labor de Jamie Kennedy o la escena inicial, protagonizada por Drew Barrymore. Fue la primera entrega —de cuatro— que hizo Wes Craven de la exitosa serie de películas clásicas del género slasher, La primera (y la mejor) se puede calificar como un maravilloso homenaje a las películas clásicas del horror film. Como sabéis, en los últimos años esta clase de producciones habían perdido toda su fuerza porque para Hollywood estos guiones auguraban un fracaso imperdonable para con su margen de beneficios. Pero con ‘Scream’ todo cambió. ¿Por qué ver ‘Scream’? Porque la cinta acertó de lleno dedicando constantes guiños a las reglas básicas: “Número uno: nunca puedes tener sexo. El sexo es igual a la muerte. Número dos: nunca puedes beber alcohol o drogarte. Es un pecado. Es la extensión del número uno. Y número tres: nunca, bajo ninguna circunstancia digas, “regreso en un momento” porque nunca regresarás”. Estos diálogos, acompañados por numerosos guiños a otras películas de terror como Viernes 13 o Halloween, consiguen hacer cómplices a los espectadores de lo que están viendo. Para continuar, asegura sustos memorables (por aquel entonces no existía ‘Saw’). Con los años muchos largometrajes se degradan y adquieren un tono ridículo, pero lo curioso de ‘Scream’ es que a día de hoy sigue siendo referente bien para nostálgicos o bien para jóvenes que empiezan a interesarse por este género. Por último es destacable la nueva corriente que nace con ella de matar a personajes famosos nada más comenzar la película en el que se nos presenta la clase de asesino y sus ganas de jugar con las víctimas. Fue asimismo un éxito de taquilla, ya que logró recaudar 173,046,663 dólares a nivel internacional y recibió críticas muy positivas. Convertido en un referente de las películas de terror, Scream es todo un clásico sin duda alguna. Y que buena ocasión para volver a apreciarlo en la noche de Halloween.

LA GUILLOTINA : Una máquina asesina de sangriento legado que hoy es historia

Ahora que se acerca el Halloween resulta adecuado hablar de ella. Ya en una oportunidad tratamos sobre la silla eléctrica y en esta ocasión lo haremos con otro terrible instrumento que estaba destinado a la aplicación de la pena capital por decapitación. Se trata de la guillotina, la cual aunque esté asociada con la Revolución francesa de 1789 durante la cual se empezó a utilizar en Francia, ya se utilizaba en otros países europeos desde el siglo XIII.(Si bien actualmente también se le denomina así a una cuchilla utilizada en las imprentas para cortar papel por presión, no estamos hablando de ella ¿vale?). Su “fama” se debe precisamente al indiscriminado uso que se le dio en Francia, donde el verdugo no tuvo descanso a la hora de cortar cabezas. Y es que con el estallido de la revolución, se propuso en la Asamblea un método de ejecución rápida e indolora para todos los condenados a la pena de muerte. Aprobada ésta, se confió al doctor Antonio Louis de Guillotine el diseño de un aparato capaz de cumplir con estos requisitos. Los mecánicos alemanes Clairin y Schmidt fueron los encargados de construirlo. Este artefacto era una versión modificada de otra utilizado en Italia en el siglo XVI. Se le llamó originalmente louisette.. Por primera vez fue utilizado en abril de 1792 contra Nicolás-Jacques Pelletier. Durante el gobierno del Terror, la louisette fue renombrada como guillotine (guillotina en francés), imitando el nombre del creador. Terrible final para la persona que buscaba una forma honrosa de morir, inmortalizado en una máquina cuyo destino fue totalmente diferente al que se propuso al inicio. Los personajes más importantes que pasaron por la guillotina fueron sin duda los reyes de Francia Luis XVI y María Antonieta. Desde el comienzo, la ejecución mediante este método se convirtió en un espectáculo popular. La estructura de la guillotina estaba pintada de un color rojo vivo y la cuchilla estaba de un color reluciente, todo esto, en un estrado a lo alto para que toda la plaza no se perdiera del acto. Con la puesta en funciones de la guillotina, circuló un rumor que le dio un matiz dramático a esta herramienta de ajusticiamiento. Algunas personas que tuvieron contacto con las cabezas de los ejecutados respondían a ciertos estímulos, e incluso una que otra podía hablar, permaneciendo vivas por unos segundos. Nunca pudo saberse con exactitud si estas afirmaciones estaban científicamente comprobadas o no era más que ilusiones, fantasías o una forma de llamar la atención. Para el siglo XIX, las ejecuciones se habían convertido en un asunto de espectáculo nacional. Todas las mañanas la plaza recibía multitudes para ver quien era el siguiente en morir. Para los ejecutados, la muerte por la guillotina ya pasaba a ser una forma épica de morir. Para evitar que la pena capital deje de ser un acto heroico en lugar de un castigo, se ordenó pintar de color madera bastante oscura los pilares, y de color negro la cuchilla. Así mismo, se quitó la plataforma para que el artefacto se ubicara al ras del suelo. De esta forma la ejecución por la guillotina pasó a ser un acto menos excitante y popular. En el siglo XX el romanticismo de la guillotina había desaparecido. Dejado de ser un espectáculo que congregaba gran público, empezaron las primeras manifestaciones contra esta cruel forma de ejecución. Las cuales se hicieron más contundentes exigiendo su abolición. Así, debido a la presión publica, la guillotina dejó de existir en 1977, cuando el gobierno aprobó la ley que prohibía su uso. Su legado de muerte había durado 185 años. Hoy las que sobreviven son piezas de museo, como un siniestro recordatorio de un pasado que jamás volverá.

EL CINE COMO INSTRUMENTO DE LA PROPAGANDA: Pulgasari, la bestia “Roja”

A través de la historia regímenes totalitarios siempre han tratado de tener bajo su control a poblaciones enteras a los cuales subyugar utilizando para ello todos los medios disponibles de la época, Si en las primeras décadas del Siglo XX fueron la prensa y la radio – a los cuales se agregaron posteriormente el cine y la televisión – en los últimos años para no perder la costumbre, países enemigos de la libertad de expresión como Estados Unidos , hacen todo lo posible para controlar la Internet .los blogs y las redes sociales ,mediante la censura, impulsando para ello infaustas leyes represivas como la indigesta SOPA, que ante la protesta generalizada tuvo que dar un paso atrás, pero aun sigue allí – agazapada – para atacar de nuevo al menor descuido. Pero en pleno siglo XXI existen otros países aislados del mundo exterior que viven prácticamente en la prehistoria, en la cual los medios estatales no se cansan de cantar loas al genocida de turno. Este país se llama Corea del Norte y está gobernada por un demente que tiene bajo su poder arsenales atómicos que son gran peligro para el resto del mundo. Es por ello que se siente seguro y que – a diferencia de lo sucedido en Irak y Libia – sabe que nadie pretenderá derrocarlo y ajusticiarlo como se merece. En este país existía un despreciable criminal llamado Kim Jong Il – “fundador” de la actual dinastía comunista que gobierna ese país – del cual se saben algunas cosas. Que era multimillonario y muy aficionado a comprarse ropa de marca, mientras su pueblo moría de hambre y solo podían comer las hierbas del parques mientras el daba fiestas que duraban días enteros ; un infeliz a quien no le gustaba que le llevaran la contraria; ya que los que hacían acababan muertos o en la cárcel. Pero lo que muchos desconocen es que además el dictador norcoreano estaba loco por el cine: su colección sumaba más de 12.000 títulos de todos los géneros y nacionalidades. De hecho había editado en 1973 un libro de 329 páginas llamado Sobre el arte del cine, en el que exponía un indescifrable batiburrillo de ideas que barruntaban en torno a la creación de una industria socialista del séptimo arte… o algo parecido. Naturalmente y a pesar de sus intentos, Kim Jong Il no tenia ni la más mínima idea de cómo crear esa industria. Y como todo mafioso que se respete hizo secuestrar a un famoso cineasta surcoreano y a su esposa para que bajo pena de muerte realice películas revolucionarias “que glorifiquen al socialismo” Cuando el realizador advirtió que quizás su única oportunidad de vivir para escapar de ese infierno era seguir las instrucciones del sátrapa norcoreano, dirigió dos películas para Kim Jong Il y éste le hizo partícipe del que quería que fuese su legado cinematográfico a sus conciudadanos que sufrían su férrea dictadura: Pulgasari. El argumento, basada en una leyenda popular del s.XIV, contaba la historia de un pequeño ser que después de comerse unos guisantes y crecer hasta convertirse en un monstruo de proporciones bíblicas acababa con sus opresores. Kim Jong Il estaba obsesionado con Godzilla y no soportaba la idea de que los japoneses tuvieran su propio monstruo y él no tuviera ninguno. Así nació Pulgasari, aderezado con miles de extras procedentes del ejército norcoreano, diez trailers llenos de guisantes y carne de ciervo y un equipo de 700 personas que no tenía ni la más mínima noción de lo que estaban haciendo. El producto final – huelga decirlo – fue un disparate ininteligible donde un tío vestido con un indescriptible traje de monstruo destruye una ciudad de plástico: “una alegoría de la energía del marxismo” dicen que afirmó el dictador cuando la vio. Por cierto, Shing y su esposa, los secuestrados, consiguieron escapar de su captor cuando en un festival de cine en Viena lograron despistar a los espías del régimen y buscaron asilo en la embajada americana. Habían pasado ocho años trabajando para el productor más atroz que jamás ha habido sobre la faz de la tierra. Hoy Pulgasari – un esperpento cinematográfico por donde se le mire – es una clara advertencia de lo grotesco a lo que uno puede llegar en su intento de querer controlarlo todo.

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